Ciudad: Rubí
Provincia: Barcelona
País: España
Horario: 24 h, al aire libre
Lugar: Calles de Rubí
Web: La Nuu
Instagram: La Nuu
Correo electrónico: info@lanuu.cat
Los días viernes 2, sábado 3 y domingo 4 de octubre tendrá lugar FOCUS, donde hemos concentrado toda una serie de actividades vinculadas a los trabajos expuestos. Tres días para conocer y disfrutar de las propuestas de La Nuu 2026 para vivir el festival con toda su intensidad. ¡No te lo pierdas!
Artistas
VERÓNICA BARBATO - TUA SORELLA
¿La fotografía de un ser querido es algo que tenemos o algo que hemos perdido? Un retrato es siempre la presencia de una ausencia.
Esta es la historia de la hermana de Veronica Barbato. A los 23 años, se suicidó tras un largo período de drogodependencia. Con este trabajo le da así una segunda vida utilizando la fotografía, el lenguaje y la dimensión del arte urbano, haciéndola viajar por el mundo como no tuvo la oportunidad de hacerlo. La autora lanzó una campaña de carteles para convertirla en un icono, lo que testimonia el papel fundamental del arte en la definición de la percepción.
Una exposición fotográfica en movimiento, "en ruta". En las fotografías incluye colores brillantes para representar las alucinaciones, frases extraídas de sus diarios secretos o el destello de la purpurina que alude a la falsa ilusión de las drogas. A pesar de todo, los colores son una celebración de su vida y de su persona.
El proyecto busca la redención social, llevando a su protagonista, Maria, a una nueva vida. La artista quería hacer posible un sueño, dándole la magia que su hermana nunca creyó poseer. Maria era una persona diferente en un mundo hecho solo de normas; por eso ha contado su historia dándole dignidad, ahora que ya no es nadie, ahora que es la hermana de muchos.
MARIELA SANCARI - MOISÉS
Hay imágenes que nunca hemos visto y que, por lo tanto, somos incapaces de recrear con nuestra imaginación. Dicen que tenemos recuerdos de cosas que no han sucedido y que olvidamos, ineludiblemente, muchos asuntos del pasado. La fotografía, el retrato se convierte aquí en la memoria de un hecho no vivido. En la huella de aquello que nunca hemos tenido.
La hermana gemela y la propia Mariela Sancari no pudieron ver el cuerpo de su padre. Según la autora, no haberlo visto le ha hecho dudar de su muerte de muchas maneras.
La disciplina de la tanatología considera que no ver el cuerpo muerto de nuestros seres queridos nos impide aceptar su muerte. Contemplar el cuerpo inerte de la persona muerta nos ayuda a superar una de las etapas más complejas del duelo: la negación.
Moisés es una tipología de retratos de hombres de 70 años, la edad que hoy tendría su padre si estuviera vivo.
A través de anuncios en el periódico, convocó a señores de la edad que tendría su padre si viviera. Los fotografió a todos de la misma manera y, con sus retratos, intentó componer una imagen imposible de su padre e imaginar cómo se vería si hubiera llegado a envejecer.
SHEUNG YIU - (INTER)FACES OF PREDICTIONS
Mirar un retrato es leer un rostro. Hacer un ejercicio especulativo.
Tanto en las culturas orientales como en las occidentales, las sociedades han desarrollado formas de predecir el carácter de una persona a través de los rasgos faciales. En las culturas de Asia oriental, la práctica esotérica de la lectura del rostro promete el poder de ver el futuro de alguien mediante el análisis facial. Aunque la lectura del rostro sigue siendo en gran parte una creencia popular, muchos continúan buscando el poder oculto de las predicciones de los lectores de rostros. En Occidente, la olvidada pseudociencia de la fisionomía, combinada con la estadística y el machine learning, entra de nuevo en nuestras vidas modernas en forma de algoritmos de reconocimiento facial, perpetuando los sesgos sociales y los prejuicios individuales.
SABRINA KOMAR - LAYER MASK
El problema de la identidad personal a través del tiempo es una cuestión filosófica que inaugura David Hume en la época moderna. ¿Qué hace que seamos la misma persona a lo largo de nuestra vida? ¿Es la conciencia tan solo un continuo en el tiempo?
La serie Layer mask (máscara de capa) es una sucesión de collages hechos a mano donde Sabrina Komar trabaja con el patrón de cuadros grises y blancos típico del programa de edición digital Photoshop. Este patrón en el proyecto no solo se convierte en un motivo técnico, sino también en una metáfora de un estado del ser.
Los últimos estudios sobre la conciencia determinan que la existencia del órgano del cerebro es una condición necesaria pero no suficiente para la emergencia del yo. La autoconciencia o metaconciencia implica diferentes estados mentales y procesos neuronales imbricados con diferentes sustratos simbólicos y culturales. Diferentes capas que se superponen y que conforman un todo mayor que la suma de sus partes.
En su obra, expande y deconstruye las fronteras de los géneros y los medios con un gran sentido de la experimentación. Utiliza una amplia gama de técnicas analógicas y digitales con gran libertad, desde técnicas de fotografía arcaica hasta procedimientos de modificación de imágenes digitales. Además de las técnicas textiles y artesanales —desde coser, cortar y plegar hasta tejer—, con las cuales sus obras cruzan la frontera entre la fotografía y las bellas artes y adquieren una dimensión espacial. Sus imágenes son autorretratos y monólogos interiores que se repliegan sobre sí mismos.
MISS BEIGE - TAKING THE STREETS
Miss Beige es el alter ego de la artista y performer madrileña Ana Esmith. Creado en 2015, es un personaje que, a través de un enfoque de "terrorismo antipostureo", utiliza la performance, la fotografía y el vídeo para realizar una crítica social y cuestionar los cánones estéticos contemporáneos, especialmente en la era de las redes sociales. El personaje se caracteriza por su vestimenta de color beige, un rostro hierático sin expresión, y el uso recurrente de un martillo escondido en un bolso.
Su look beige completo proporciona una imagen muy diferente a la que acostumbramos a ver en las pantallas. Lejos de la hipersexualización, Miss Beige enfatiza los aspectos más corrientes e incluso aburridos de nuestra cotidianidad. Miss Beige propone una deconstrucción de la identidad femenina contemporánea a partir de la práctica de la performance en Instagram.
En este tiempo de obsesión por la imagen y sus narrativas, la suya es una reflexión sobre los límites entre lo que somos y la imagen de lo que se supone que somos. Por eso reivindica las identidades corrientes y anónimas lanzando una crítica tan aguda como irónica a los puestos forzados, los escenarios idílicos y las vidas perfectas que llenan la red social.
MARJOLEIN MARTINOT - RIVERLAND
El rostro es un espacio narrativo. Un libro lleno de historias que busca ser leído con detenimiento. La novela de una vida. Siempre tenemos la extraña convicción de que el individuo se esconde en la máscara del rostro.
Oscar Wilde dijo que a partir de los cuarenta años todos somos responsables de nuestra cara. La geografía del rostro es un paisaje infinito que oculta y revela nuestra alma.
Tal vez es por eso que nos gusta tanto mirar los retratos de nuestros familiares, de nuestros amigos, de nuestros seres queridos.
Sin embargo, también nos fascina mirar retratos de gente desconocida y anónima. Mirar un rostro de hito en hito, contemplar la imagen de un rostro es mantener un vínculo, una comunión íntima y profunda.
La mirada nunca es inocente. Por eso en las grandes ciudades la gente evita mirarse a los ojos. Una mirada directa y fija es un voluntario acto de agresión.
La fotógrafa Marjolein Martinot en su trabajo Riverland camina por los márgenes del agua y mira de frente los rostros y los ojos de la gente. Camina con su cámara por los ríos y vías fluviales del Sur de Francia. Un curso de agua que serpentea como un camino antiguo entre los árboles. Un espacio liminal lleno de niebla y sueño.
La autora nos presenta una serie de fotografías de factura clásica y de un cuidado y precioso blanco y negro hechas en película, que nos muestran diversas escenas, retratos frontales, paisajes y naturalezas muertas.
En sus imágenes a orillas del río, bajo la luz suave de la mañana y los dorados del crepúsculo, el tiempo queda en suspenso en un verano interminable. Un mundo onírico y mágico donde los niños juegan felices y los adolescentes, las familias y las parejas ven pasar la vida sin recelo. Con plena aceptación.
Riverland es un refugio en el corazón del bosque de las hadas, un espacio para esconderse de la muerte y vivir para siempre. Nuestras vidas, nuestros rostros son breves como fotografías, pero es cuando alguien nos mira cuando somos eternos.
MANEL ESCLUSA - SCANTAC
«Lo más profundo del ser humano es la piel», escribió Paul Valéry.
Así, el psicoanalista Didier Anzieu desarrolló el concepto de Yo-piel: la idea de que nuestra mente necesita el cuerpo para definirse. Al igual que la piel nos delimita, nos protege y nos contiene, nuestra identidad se estructura como una frontera flexible entre nuestro mundo interior y el exterior. El Yo-piel implica una homología entre las funciones del Yo y las de nuestra envoltura corporal. Considera, así, que el Yo, como la piel, se estructura en una interfaz que permite enriquecer las nociones de frontera, de límite y de continente.
El rostro es la parte más visible de esta frontera. Pero, ¿qué pasa cuando la mirada no se queda en la superficie?
El proyecto Scantac de Manel Esclusa atraviesa esta piel. Utilizando la Tomografía Axial Computarizada (TAC) —una tecnología médica diseñada para revelar el interior del organismo—, la obra cuestiona las convenciones tradicionales del retrato y el autorretrato para adentrarse en un territorio desconocido: la geografía interna del cuerpo. ¿Es el cráneo el negativo de nuestro rostro? ¿Es bajo la piel donde se esconde la imagen de nuestro Yo?
Scantac es, según el autor, una reflexión sobre la identidad, la percepción y los límites de la representación fotográfica para explorar, así, la posibilidad de representar al ser humano más allá de su apariencia visible. El resultado es una serie de imágenes que oscilan entre la anatomía, el paisaje y el cosmos. Los cortes anatómicos evocan cartografías, formaciones geológicas o imágenes astronómicas, disolviendo las referencias de escala y sugiriendo correspondencias entre la estructura del cuerpo humano y las formas del universo.
Manel Esclusa propone así una reflexión sobre lo visible y lo oculto, ampliando la noción de autorretrato hacia una exploración poética de la identidad contemporánea.
LIZ GORMAN - I SAW ME SEEING MYSELF
«Todas las fotografías son un memento mori», escribió Susan Sontag.
La tradición crítica ha incidido siempre en lo que se ha denominado el «efecto tanático» de la fotografía; sin embargo, esta íntima relación entre imagen y muerte se remonta al nacimiento del retrato y a la idea de representación visual. Régis Debray nos recuerda, en su estudio Vida y muerte de la imagen. Historia de la mirada en Occidente, la etimología de la palabra «imagen». En la Antigua Roma, imago era el término que designaba la máscara de cera que reproducía el rostro de los difuntos. Un nacimiento por la muerte que convierte la imagen del retrato en una suerte de arte funerario.
«Me vi mirándome a mí misma» de Liz Gorman es un proyecto fotográfico sin cámara que aborda la muerte, la contaminación plástica y el narcisismo artístico. Sus imágenes están conformadas por diferentes fotogramas, es decir, por imágenes fotográficas obtenidas mediante la colocación de objetos sobre una superficie fotosensible y mediante, también, la exposición a la luz directa sin la intervención de una cámara fotográfica.
Cada uno de los fotogramas está realizado a partir de un molde de su rostro en plástico y de las impresiones fotográficas obtenidas a partir de esta imago o máscara mortuoria sobre el papel.
Mirarse al espejo y quedarse embelesado de uno mismo nos remite al mito de Narciso y a la cultura del narcisismo que Christopher Lasch definió como una de las características fundamentales de nuestro tiempo.
KENJI HIRASAWA - PORTRAITS
Desde 2004, Kenji Hirasawa utiliza una cámara termográfica para realizar retratos que capturan la naturaleza no figurativa de las personas.
Las cámaras termográficas capturan la radiación infrarroja emitida por nuestro cuerpo y visualizan esta temperatura corporal en tonos de color. Un monitor conectado a la cámara térmica muestra cada parte de la temperatura corporal del modelo en forma de imágenes térmicas: la temperatura del frente, la nariz, los labios, la mejilla, las orejas, el cuello, etc. Estas imágenes térmicas se importan a un ordenador y la información sobre las temperaturas se escribe como textos (figuras) mediante software para que toda la información de la temperatura se pueda mostrar a la vez. Estas representaciones textuales de la temperatura corporal se imprimen en acero inoxidable con espejo mediante una impresora de chorro de tinta UV.
La tecnología permite a los humanos mejorar sus capacidades físicas, llevando la percepción humana a otro nivel. La visualización del mundo no visual cuestiona la percepción humana y el valor del mundo visualizado existente.
La intención del autor es captar el alma del individuo y su entidad espiritual tal y como se ha entendido el retrato en el pasado y se centra en la temperatura corporal como signo de la vida y la existencia.
Sus retratos quieren captar los contornos. Manchas de color primarios y explosivos que nos hablan de lo que no podemos ver ni entender.
ROSE-LYNN FISHER - THE TOPOGRAPHY OF TEARS
¿Por qué el rostro y no las lágrimas que lo surcan?
¿Cuál es la verdadera máscara de nuestra identidad? Los ojos son el manantial de donde brotan las lágrimas. El rostro, el curso de este río y, también, su desembocadura.
Todos lloramos. Las lágrimas humanas, sin embargo, no son siempre iguales. En realidad, se dividen en tres categorías diferentes: basales, reflejas y psíquicas (o emocionales).
La topografía de las lágrimas es un estudio visual contemplativo de las lágrimas que la autora fotografió a través de un microscopio óptico estándar equipado con una cámara de microscopía digital. Iniciado en un período de duelo, durante ocho años, Rose-Lynn Fisher fotografió una amplia gama de sus propias lágrimas, junto con algunas de otras personas. Vertió lágrimas directamente sobre portaobjetos de vidrio, dejándolas evaporar o comprimiendo una lágrima entre el portaobjeto y un cubreobjetos de vidrio más fino. Las lágrimas secadas al aire revelaban así que sus estructuras orgánicas eran similares a las estructuras naturales a todas las escalas de la naturaleza: los patrones de erosión grabados en la tierra durante un millón de años pueden parecerse a las formas ramificadas o cristalinas de las lágrimas evaporadas. Un terreno golpeado por la emoción.
Aunque las lágrimas son una composición de agua, proteínas, minerales, hormonas, anticuerpos y enzimas, la topografía de las lágrimas reveló paisajes momentáneos, como la huella dactilar de alguien en un sueño. Una serie de fotografías que configuran un atlas de los diferentes paisajes del alma. Cada experiencia emocional fotografiada tiene su propio carácter visual.
ALABA ZARI - FEARS OF MIRRORS
La atracción por nuestro propio reflejo surge de un instinto ancestral.
El acto de reconocernos a nosotros mismos es, de hecho, el primer paso hacia la autoconciencia. Sólo los delfines, elefantes y chimpancés son capaces de reconocer su imagen en el espejo aparte del ser humano. El espejo, restaura los límites, las formas y los colores de la idea que tenemos de nosotros mismos, dándonos una sensación de unicidad. La primera vez que nos reconocemos en el espejo es el momento en que nos damos cuenta de que el mundo también nos puede ver.
Fear of Mirrors es una investigación sobre las formas de representación que adoptamos para comunicarnos. Con la revolución digital y las redes sociales, el espejo se ha convertido en una pantalla. Detrás de este espejo, ya no es el Otro quien se esconde, ese yo distorsionado e inquietante de los cuentos de hadas oscuros de nuestra infancia, sino los demás, una comunidad compuesta de identidades digitales heterogéneas. Existen a través de interacciones múltiples y fugaces, donde una de las facetas más fácilmente comunicables es la propia imagen.
En Fear of Mirrors, Alba Zari opta por analizar una categoría específica: la de las mujeres, cuya libertad de expresión siempre ha sido restringida.
A través de un extenso proceso de investigación, Zari busca entender cómo las normas estéticas y de comportamiento dictadas por el patriarcado han influido en la autorepresenatción femenina, y si las nuevas tecnologías han permitido realmente la liberación o simplemente han creado otra ilusión de inconformidad.
Alba Zari también juega con los medios de comunicación, experimenta consigo misma y se convierte en una víctima consciente de sí misma: retrata, martirizando su propia imagen, exponiendo cómo el cuerpo y su representación permanecen atrapados en dinámicas sexualizadas. Y es a partir de esta exploración performativa que pasa a una confrontación directa con el mundo digital.
ABDO SHANAN - DRY
La identidad personal no es un ente estable, unívoco ni permanente. En contraposición, la idea de nación nos reclama una adscripción férrea e inmutable. La idea de nación nos pide a todos lo mismo: que encajemos, que sintamos todos a la vez y que pongamos lo que nos hace únicos bajo el paraguas de una historia compartida. El problema es que nuestra identidad no es un bloque de piedra; es más bien un mapa en constante movimiento, hecho de viajes, mestizajes y raíces que no entienden de fronteras ni de pasaportes.
El sociólogo Benedict Anderson define la nación como una comunidad imaginada. Es imaginada porque, independientemente de las divisiones y desigualdades reales, la nación se concibe siempre como una hermandad profunda y horizontal; un constructo mental en el que la inmensa mayoría de sus miembros jamás conocerán, verán ni oirán hablar de sus compatriotas, pero en cuyas mentes vive la imagen de su comunión.
Dry trata de personas que, como Abdo Shanan, están suspendidas entre lugares, identidades y expectativas. Trata de las negociaciones silenciosas que se hacen para pertenecer, y de la distancia que permanece incluso cuando se cree que se ha llegado.
Shanan nació en Argelia, de madre argelina y padre sudanés. Cuando tenía nueve años, su familia se trasladó a Libia, donde pasó los siguientes 18 años convenciéndose de que era argelino, mientras su padre insistía en que era sudanés. A los 28 años decidió hacer de Argelia su hogar. Solo entonces empezó a cuestionarse su idea de pertenencia. Se sentía como una isla en medio de una sociedad de la que había asumido que formaba parte, solo para darse cuenta de que tenían menos en común de lo que pensaba.
Dry trata de todas las islas que el autor ha encontrado a lo largo de los años. Gente, como él, suspendida entre lugares, identidades y expectativas. Trata de las negociaciones silenciosas que se hacen para pertenecer, y de la distancia que permanece incluso cuando se cree que se ha llegado. Trata de la tensión de estar en medio, de ser moldeado por más de un lugar, pero sin ser reclamado plenamente por ninguno.