Se acerca FUJIKINA Madrid 2026
29 de abril, 2026. Ilusa de mí, pensando que ya había llegado un poco más de calor a Madrid siendo aún finales de abril.
Acabo de aterrizar después de una escala y el típico retraso. No obstante, y a pesar del sueño poco reparador, no me puedo resistir a la invitación que me hace Nuria de asistir a la presentación de prensa para descubrir la exposición “Lo que nace” del fotógrafo Matías Costa y un adelanto de lo que será el Festival Europeo de Fotografía FUJIKINA de Fujifilm en el Colegio Oficial de Arquitectos de Madrid (COAM).
Después de la edición en Barcelona, en 2024, Fujifilm organiza en Madrid los próximos 23 y 24 de mayo FUJIKINA Madrid 2026, una cita de inspiración y diálogo en torno a la imagen y la fotografía. Durante las dos jornadas, el festival reunirá las miradas más relevantes de la fotografía contemporánea con un programa de conferencias abiertas al público.
Lo que nace, de Matías Costa
Vuelvo a la jornada de presentación. Al entrar en este espacio tan amplio, nos encontramos con una invitación a recorrer esta propuesta de distribución de espacios bastante interesante. El primer panel nos introduce hacia “Lo que nace”, de Matías Costa. Detrás, tenemos su fotografía ganadora del premio Descubrimientos de PhotoEspaña en el año 1998.
Si rodeamos los paneles del rombo, podemos ver los premios Descubrimientos desde Matías Costa (1998) hasta Sonia Celma (2025) que están ordenados cronológicamente, dando un contexto sobre cada año únicamente con una fotografía. Y dentro de la estructura de rombo, las fotografías de Matías. El juego que hace entre archivo, memoria y esa mirada reflexiva e introspectiva, nos invita tanto a nivel espacial como visual a inmiscuirnos en sus fotografías de una memoria fragmentada, que va de lo íntimo a una generación completa.
Después de las presentaciones y el cóctel, haciendo fotografías de registro, logré coincidir con Matías, quien amablemente ha accedido a responder un par de preguntas que rondaban en mi cabeza:
Es interesante la propuesta museográfica en "Lo que nace", donde se genera un diálogo con todas las fotografías ganadoras de PHE en el exterior de un rombo, y al interior resguarda tu propia obra incluyendo la pieza premiada del 98. ¿Nos podrías contar un poco de cómo gestionaste la tensión creativa y curatorial cuando, simultáneamente eres comisario y autor?
“La idea de comisariar mi propia obra fue una feliz coincidencia dentro del proyecto FUJIKINA. Inicialmente, Fujifilm me contactó para comisariar una exposición dentro de la FUJIKINA, a lo que accedí encantado. Posteriormente, en el marco de la colaboración con PhotoEspaña, se decidió que habría dos exposiciones, una con la obra de los fotógrafos que participan en FUJIKINA como conferenciantes y otra vinculada a los premios Descubrimientos PHE, de los que Fuji es patrocinador oficial. Se decidió desplegar la evolución del trabajo del primer premio Descubrimientos en el año 98, que daba la casualidad de que fui yo mismo.
Abordé esta propuesta con cierto pudor y dudas sobre la idea de hacer un ejercicio curatorial con mi propia obra, pero enseguida se hizo evidente que esta práctica se enmarca de forma natural en la idea de autoficción y desdoblamiento que yo practico en mi propia obra.
El segundo reto era insertar esta exposición, de carácter intimista y museográfico, en un espacio diáfano donde todo está a la vista y hay muchos elementos que distraen la mirada como el COAM. Además tenía que convivir con otra exposición colectiva, más abierta, presentada en el marco de FUJIKINA como un acompañamiento a las actividades que tendrán lugar en la feria.
Junto con la diseñadora de la exposición, Natalia Garcés, decidimos que estas dos exposiciones tenían que dialogar, pero debían tener una estética y una personalidad claramente diferenciada. Para la exposición de FUJIKINA, conservamos los paneles individuales que habían sido diseñados específicamente para la feria, y distribuimos en ellos los distintos relatos de los fotógrafos para crear un recorrido dinámico y ligero. Para ‘Lo que nace’, la exposición que contiene mi trabajo y la referencia a Descubrimientos PHE, creamos un cubo en forma de rombo que funciona como instalación inmersiva, cuando estás dentro te rodea todo el universo de mi trabajo, con saltos temáticos y temporales. Desde los primeros trabajos redimensionados en enormes gigantografías adhesivadas a la pared, hasta las últimas imágenes tomadas este mismo año, todo se despliega con un orden interno que no es cronológico ni temático, sino que obedece a una forma de trabajar que vincula y relaciona acontecimientos e imágenes separadas en el tiempo y pertenecientes a series distintas.
Todo ello acompañado de mis Cuadernos de Campo, un laboratorio clandestino de procesos creativos en el que lo íntimo y lo colectivo se relacionan en reflexiones, citas, fotografías y documentos, expuestos aquí en forma de páginas arrancadas directamente de los cuadernos originales.”
¿Cómo fue el momento en que decidiste que el archivo debía estar integrado en la exposición con valor estético propio?
“El archivo está integrado en mi obra desde hace tiempo como una evolución natural de mi forma de trabajar y una necesidad formal de las temáticas de las que me ocupo. En mi trabajo abordo la memoria, más bien la reconstrucción de una memoria fragmentada por múltiples naufragios vitales, propios y transgeneracionales, también me intereso por el territorio, más como un lugar de tránsito que como espacio de pertenencia, y por supuesto, como resultado de estas derivas vitales, hablo de la identidad del que migra, del exilio y la ausencia, la mía en definitiva, que no es otra que la de sentirse extraño y familiar en todas partes.
Como consecuencia de todo ello, el archivo inevitablemente es parte fundamental de mi material de trabajo.”
¿Cuál fue el detonante para darte cuenta que tu fotografía trascendía lo personal y estaba conectada con una identidad generacional colectiva?
“Fue hacia el año 2008, cuando todas mis inquietudes acerca del origen de mi familia y de la construcción de mi propia identidad tomaron la forma de proyecto creativo y pude abordarlos con más distancia y, sin embargo, con más profundidad. Inicialmente quise tirar del hilo transgeneracional de mi familia, y me embarqué en The Family Project, un viaje a través de todos los lugares por los que habían transitado mis antepasados y todos los archivos que habían dejado tras de si. Yo nací en Buenos Aires, y tuve que emigrar a España siendo niño, junto a mi madre, expulsados del país por la dictadura militar. Mi familia viene de la Europa del Este, por parte de padre y de Italia y España por parte de madre. Recorriendo países como Lituania, Bielorrusia, Polonia, Italia, Inglaterra, y por supuesto Argentina, en busca de mi identidad, me di cuenta de dos cosas: por un lado, yo ya había estado trabajando en esas temáticas siempre, sin llegar a ser consciente del todo, en todas mis series documentales anteriores. Por otro lado, tuve que renunciar, y en realidad ya venía haciéndolo, al mandato de prueba de realidad que tiene la fotografía documental; en este proyecto tenía que rellenar lagunas de mi investigación, con elementos de ficción y referencias introspectivas de mi propio mundo, que cerraban una historia que de otra forma no habría sido mía.”
En un mundo donde la mayoría buscan la fotografía final y el resultado inmediato, ¿podrías contarnos cómo es la travesía por una memoria más fragmentada y un testimonio más poético?
“Siempre me ha guiado una forma de narrar muy intuitiva, de frases cortas o imágenes incompletas, donde es más importante una atmósfera, algo sugerido o evocado, que una determinada imagen o estética. Creo que mi trabajo adquiere su narrativa final y transmite la melancolía o el misterio que busco, por la conjunción de imágenes, textos, archivos y las conexiones que se establecen entre ellos. Una sola imagen, por muy potente que sea, no me basta para contar lo que necesito. Pero también es importante recalcar que soy fotógrafo, que ese es mi oficio, con una formación y una trayectoria muy definida por la fotografía pura, los clásicos, con una composición que aprovecha todos los elementos del encuadre. La mayoría de mis imágenes tienen una fuerte personalidad por sí mismas, porque he aprendido admirando a ese tipo de fotógrafos y construyendo desde ahí, desde lo visual.”
En el contexto hispanohablante, ¿cuáles dirías que son los rasgos que definen a la fotografía actual?
“Creo que la fotografía actual goza de una maravillosa salud, que se permite experimentar, jugar en los márgenes, mezclarse con otras disciplinas, abordar temáticas de cualquier clase. En fin, creo que si hay un rasgo en común para toda la fotografía que veo hoy en día es la capacidad de reinventarse, vemos cosas nuevas todo el tiempo, algunas quedan, otras pasan, pero hay mucha riqueza en todo lo que se está haciendo.”
Por último, ¿cómo ha sido el punto de encuentro con Fujikina?
“Con Fujifilm he venido colaborando como fotógrafo desde hace mucho tiempo. En esta ocasión me propusieron una curaduría, que finalmente incluye también una exposición de mi propia obra. Con Fuji las cosas son siempre fáciles y tremendamente enriquecedoras, participan y colaboran en muchas iniciativas fotográficas y están detrás de los procesos creativos de los fotógrafos, no sólo aportando tecnología, sino interesándose genuinamente por lo que hacemos los creadores de imágenes. FUJIKINA es una experiencia expandida con todo esto junto: exposiciones, conferencias, producto, encuentros... Una oportunidad única, para no perderse.”
Si continuamos con la exposición, nos encontraremos con lo que es un adelanto de lo que será FUJIKINA, cinco grandes fotógrafos y fotógrafas exponen su obra donde nos encontramos con los conceptos de identidad, territorio, la familia, el retrato y la cotidianidad, conceptos que te serán interesantes de ver plasmado en sus fotografías.
Datos importantes a recordar
La muestra Lo que nace. Descubrimientos PHotoESPAÑA 1998-2026 se podrá visitar hasta el 24 de mayo en el Colegio Oficial de Arquitectos de Madrid (COAM).
Fujikina Madrid 2026
FUJIKINA se celebrará los días 23 y 24 de mayo. Habrá charlas gratuitas sobre creación, mirada y relato visual propios. Algunos de los fotógrafos y fotógrafas participantes son Alberto García-Alix, Estela de Castro, Samuel Aranda, Nerea Garro, Álvaro Sanz, Toni Amengual, María Santoyo, Sonia Celma y Matías Costa protagonizan el programa de conferencias que tendrán lugar en el Salón de Actos del COAM:
Conferencias sábado 23
Las ponencias comenzarán el sábado 23 de mayo con la fotógrafa Nerea Garro, que abrirá la programación con Fotografiar: intuición, juego y oficio. Su charla abordará la fotografía desde una mirada sensible y partirá desde su proyecto más personal, donde la mirada se construye desde la atención y la sensibilidad hacia un entorno muy concreto, el mar y lo que lo rodea, y cómo este trabajo más íntimo se desplaza hacia un trabajo editorial y comisionado.
Matías Costa
Sonia Celma
Otro coloquio será la mesa redonda Lo que nace. Descubrimientos PHotoESPAÑA 1998-2026, que propone un recorrido único por casi tres décadas de impulso a la creación fotográfica contemporánea. Moderada por María Sontoyo, directora del Festival PHE, esta conversación reunirá a dos figuras clave que encarnan el espíritu del programa Descubrimientos: Matías Costa, primer ganador de esta iniciativa, y Sonia Celma, su más reciente premiada.
Por la tarde, Álvaro Sanz, fotógrafo y director, presentará En busca de un Ålbør eterno. Su intervención recorrerá una trayectoria construida entre la fotografía comercial, los documentales y los territorios extremos, desde la Antártida hasta Alaska o el Himalaya. La charla pondrá el foco en la historia que hay detrás de cada imagen.
Samuel Aranda, fotoperiodista español reconocido internacionalmente por su cobertura de conflictos y crisis humanitarias, también ofrecerá su ponencia por la tarde.
La jornada se cerrará con uno de los momentos más esperados, el coloquio de Alberto García-Alix, uno de los grandes nombres de la fotografía española contemporánea. En La ausencia como estímulo, el autor propondrá una conferencia visual en la que reflexionará sobre la ausencia como hilo conductor de su obra. A través de imágenes, muchas de ellas inéditas y tomadas en los últimos quince años, García-Alix abordará la memoria, el retrato y la dimensión autobiográfica de una mirada marcada por la sinceridad y la intensidad expresiva.
Conferencias domingo 24
Las ponencias continuarán con Toni Amengual y su conferencia Fotografía más allá de la pantalla. Fotógrafo, artista visual y educador, Amengual planteará una relectura de la fotografía desde una práctica que supera sus límites tradicionales. A través de distintos proyectos, abordará cómo la imagen puede dejar de ser un registro plano para convertirse en un objeto activo, donde el soporte, la impresión, la intervención y la materialidad forman parte del sentido final de la obra.
La programación se cerrará con Estela de Castro, fotógrafa y docente especializada en retrato, que presentará La fotografía como herramienta. Su charla recorrerá distintos proyectos de su trayectoria, con especial atención a su trabajo como fotógrafa activista y al uso de la imagen como medio de denuncia y sensibilización en torno a los derechos humanos y los derechos de los animales.
Acceso gratuito
El programa de Keynotes reunirá a fotógrafos, creadores y profesionales de referencia para compartir su visión, su forma de trabajar y las historias que hay detrás de sus imágenes. Estas charlas permitirán profundizar en cuestiones como la composición fotográfica, la narrativa visual, la fotografía de viaje, la creación de contenido, la fotografía documental o los proyectos personales y profesionales. Entre los participantes figuran nombres como Joan Vendrell, Elisa Waves, Blanca del Rey, Víctor Ortega, Esther Garrison, Ignacio Navas, Natalia Garcés y Pilar Silvestre, entre otros.
Los Live Shootings ofrecerán la oportunidad de ver en directo el desarrollo de una sesión fotográfica profesional. Desde retratos hasta bodegones o captura de vídeo, estas sesiones permitirán conocer los pasos de un flujo de trabajo completo, desde la dirección artística hasta la postproducción. El programa incluye sesiones prácticas con el Aula de Fotografía de la Universidad de Alcalá, la Escuela Universitaria de Artes TAI, una sesión de vídeo profesional con Álvaro Sanz y equipos FUJIFILM X/GFX, así como una mesa redonda sobre fotografía analógica con Photolari.
Además, FUJIKINA Madrid 2026 completará su propuesta con espacios como Touch & Try, donde se podrán probar las últimas innovaciones de FUJIFILM en fotografía, vídeo e impresión, así como con zona de préstamo de equipos y servicio gratuito de comprobación y limpieza para usuarios de equipos FUJIFILM.
Actividades con coste
La programación también contará con Photo Walks, recorridos fotográficos guiados por Madrid en los que los participantes podrán practicar fotografía de calle, trabajar la composición y descubrir nuevos rincones de la ciudad acompañados por fotógrafos especializados. Estas actividades, concebidas como una experiencia comunitaria, estarán dirigidas por perfiles como Fotonline, Víctor Alfonso, Rodrigo Roher, Joan Vendrell, Nacho Varela y Gabriela Chinea, Natalia Garcés y Nacho Izquierdo. El precio de cada Photo Walks es de 5€.
El festival contará también con Workshops prácticos impartidos por profesionales del sector, centrados en técnica, creatividad y narrativa visual. Estas actividades estarán dirigidas por perfiles como Estela de Castro, Rafael Trapiello, Eduardo Nave, Luana Fischer y Angélica Dass. El coste de cada Workshop es de 50€.
RECOMENDACIONES
Revisa los horarios con antelación, ya que hay workshops, photowalks (¡con Instax!) y podrás probar equipo.
Algunas actividades son gratuitas y otras de pago, pero al adquirir tu entrada, aseguras tu plaza.
Toda la información, en este enlace: Fujikina Madrid 2026
¿Ya visitaste esta exposición? Si aún no lo has hecho y estás por Madrid, ya estás tardando.
¿Nos vemos en Fujikina Madrid?¡Te leemos en los comentarios!
